jueves, 3 de agosto de 2017

"Las tentaciones de San Antonio" obra de Joos Van Craesbeeck,

"Las tentaciones de San Antonio" obra de Joos Van Craesbeeck, fue realizada en el año 1650 y con unas dimensiones de 78 x 116 cm.Se encuentra en el museo de Galería Nacional de Arte de Kunsthalle en Karlsruhe _ Alemania.


Joos van Craesbeeck( 1606- 1660) hijo de un panadero, entró en el Gremio de San Lucas entre los años 1633 a 1634 como panadero y pintor, discípulo o seguidor de Adriaen Brouwer y especializado en la pintura de género, frecuentemente interiores de taberna.

En 1637 se le cita como propietario de una nueva casa con panadería, lo que demuestra la combinación de ambos oficios. Prbablemente trabajó con Adriaen Brouwer, pues sus obras más tempranas denotan gran influencia en las de Craesbeeck. Ambos autores sitúan sus escenas en interiores de taberna, donde personajes de baja estofa realizan actividades cotidianas.


Uno de los temas más fascinantes de la historia del arte es el de Las tentaciones de San Antonio. Con esta iconografía, numerosos artistas (desde Bruegel a Dalí) pudieron dejar volar su imaginación hasta límites insospechados.


San Antonio Abad fue un monje que vivió entre los siglos III y IV, un ermitaño que quiso apartarse del mundo y se fue a vivir al desierto. Ahí fue tentado por el Demonio en varias ocasiones, pero resistió a todas ellas gracias al poder de su fe.


El flamenco Joos Van Craesbeeck representa una de estas escenas con evidente aire bosquiano (el propio Bosco realizaría un par de obras sobre estas tentaciones) y vemos en la obra todo tipo de seres que pululan por un paisaje onírico.


Destaca sobre todo una enorme cabeza (posible autorretrato…?) de la que salen y entran las criaturas, tanto por su boca abierta como por la frente, que es cortada por los seres.

San Antonio resiste como puede semejante visión y lo vemos en la esquina derecha, intentando no hacerle mucho caso a una señora que trata de enseñarle sus pechos.


La pintura es del año 1650, por lo que no podemos más que preguntarnos si realmente existe una máquina del tiempo o si el autor experimentaba con alucinógenos (famosos son sus cuadros de fumadores…). Lo seguro es que el surrealismo ya estaba inventado antes de Breton y cía.


Craesbeeck pinta asuntos plebeyos y retratos caricaturescos de clases populares flamencas. Salvo excepciones, siempre pintó personajes de baja estofa realizando actividades cotidianas.

Su obra es de gran carga expresionista y influenciado por El Bosco, y podemos apreciar en ella un marcado sentido del humor, ingenio eimaginación que nos hacen pensar que Joos van Craesbeeck era un verdadero adelantado a su tiempo.


Sus primeras pinturas, hacia 1640, están ejecutadas siguiendo un fuerte monocromatismo general que le lleva a dejar la preparación de la tabla vista en ciertas partes de los cuadros. Están ejecutadas con una pincelada notablemente libre, a la vez que los temas parecen recortados de las composiciones de su maestro.


Son obras con fuerte interés por el claroscuro y muy similares en composición a las de Brouwer, con una gran carga expresionista en la representación de los rostros de los personajes.  Posteriormente, una vez instalado en Bruselas a partir de 1650, se inclinó a representar personajes más buergueses en escenas lúdicas en tabernas, así como en interiores domésticos, que se pueden relacionar con algunas obras del entorno de la escuela holandesa.


para terminar Craesbeeck técnicamente utilizaba un tronie que es un género de pintura propio del barroco flamenco holandés. Se trata de retratos, normalmente de pequeño tamaño y de rasgos más o menos personales, en los que la figura resulta llamativa por una expresión facial exagerada y/o por sus bellas facciones, sombrero, etc.

 Aunque el tronie típico mostraba un retrato de una persona de medio cuerpo, o del busto únicamente, no solían realizarse con intención retratística, sino más bien para mostrar las dotes artísticas del pintor y su maestría a la hora de captar gestos, grotescos muchas veces, y expresiones inusuales. Por lo tanto, raro es el caso de tronies en los que se conoce el nombre del comitente.



Las tentaciones de San Antonio Abad
obra del Bosco en el Museo del Prado 

Las tentaciónes de San Antonio obra de Dalí
en el Museo de Bellas Artes de Belgica 

Las tentaciónes de San Antonio
obra de Max Ernest Lehmbruck Museum 

Las Tentaciónes de San Antonio, obra de Cézanne en Museo de Orsay 

Bibliografía : https://www.museodelprado.es
                     https://historia-arte.com



lunes, 31 de julio de 2017

La catedral de Frisinga

La catedral de Frisinga es una basílica de arte románico situada en Frisinga, en la región de Baviera (es el mayor de los dieciséis estados federados. Se encuentra situado en el sureste del país, y su capital y principal ciudad es Múnich). _ Alemania.


Fue la sede del Principado-Obispado de Frisinga, uno de los estados eclesiásticos del Sacro Imperio Romano Germánico hasta su disolución en 1803. A partir de la creación de la Archiduquesas de Múnich y Frisinga en 1817, la sede arzobispal se trasladó a Múnich, a la Catedral de Nuestra Señora de Múnich, dejando a la antigua sede el estatus actual de concatedral a instancias del antiguo arzobispo de Múnich y Frisinga.




La anterior basílica de tres naves, construida en una de las dos colinas que dominan la ciudad de Frisinga, fue sustituida en ladrillo por la actual basílica catedral. Tiene cinco naves de 78 metros de longitud  y una sobria fachada principal cuenta con dos torres de 56 metros de altura, pintadas de blanco en 1724.


La cubierta plana de estilo arquitectónico románico fue sustituida por la actual cubierta de estilo gótico entre los años 1481 a 1483. Durante el primer barroco (siglo XVII), fueron retiradas las nervaduras góticas del techo y durante los trabajos de renovación realizados por el milenario de la fundación fue realizada la decoración rococó del interior (1724), una obra de los hermanos Asam: Cosmas Damian Asam y Egid Quirin Asam.


Los Hermanos Asam, individualmente y juntos, fueron artistas muy prolíficos. Trabajaron en Baviera, Baden-Würrtemberg y Austria. Se interesaron por la pintura de techos y paredes del Alto Barroco y en particular por la Cortona y Pozzo; este último había publicado en 1702 un tratado con las reglas de la «quadratura», es decir, las reglas de la perspectiva ilusionista de pintura de techos. 

Egid Quirin Asam

Una de las características del estilo rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. El interior será un lugar de fantasía y colorido muy recargado, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad.


Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en las edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajas y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio «bloque», propio de la etapa anterior.

En cualquier caso, el aspecto más destacable de los interiores rococós es la distribución interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribución muy sencilla. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada funcionalidad, combina ornamentación, colores y mobiliario.


Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas tuvieron muy poco reflejo en las construcciones oficiales, fueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía, estaban más ansiosas de cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos para conseguirlo.


En las entrañas de la catedral de Frisinga existe una biblioteca, promovida por Hitto de Frisinga fue un miembro destacado de los huosi (los Huosi, como las demás grandes familias nobiliarias de la región, eran descendientes de los reyes o jefes de clanes germánicos menores que se integraron en la nación bávara juntamente con clanes celtas y marcomanos). Durante su mandato como obispo, el monje y notario Kozroh presentó el primer Libro de Tradiciones de Frisinga, que recoge los usos litúrgicos de la diócesis recopilados desde el año 744.


Hitto impulsó los trabajos del scriptorium de la Biblioteca de la catedral de Frisinga fundada por Arbeo de Frisinga: cuando accedió al cargo había ya realizados alrededor de 40 códices y más de 300 documentos a su muerte. Hitto está enterrado en la cripta románica de la Catedral de Frisinga, donde se conserva su sarcófago



jueves, 27 de julio de 2017

"El dormitorio en Arlés", obra de  Vincent van Gogh fue realizado en el año 1888 y con unas dimensiones de 72 x 90 cm. Se encuentra en  Museo Van Gogh de Ámsterdam _ Países Bajos.


un lugar humilde, sin espacio para muchas cosas. Dos modestas sillas de madera, una pequeña mesa de noche, una toalla en un perchero, unos cuadros colgando en las paredes y una cama angosta con dos almohadas.

Sin embargo, probablemente sea el cuarto más famoso de la historia del arte: la habitación de Vicent Van Gogh.


En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: "los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde", afirmando: "Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos"


Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: "Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país."


Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es "un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas." Alcanza a pesar de todo una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la instabilidad de la perspectiva.


Vicent Van Gogh tuvo una época casi feliz. En Arlés, en el sur de Francia, donde la casa pintada de amarillo simbolizaba el sol y el calor que ahora alumbraban su vida. Esperaba la llegada de Paul Gauguin, con quien pretendía fundar una comunidad para artistas, allí, en el número 2 de la plaza Lamartine. 

Era el año 1888 y por primera vez el pintor disponía de una habitación propia, sencilla, con únicamente una cama, una mesita de noche, un par de sillas y un perchero en madera de pino (en el que cuelga el sombrero amarillo con el que aparece en algunos autorretratos).


Sobre el tema de su dormitorio, Van Gogh realiza tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor en Arles. Cerca de un año después, éste emprende la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.


Las tres versiones del dormitorio, protagonistas conjuntamente de una muestra, parten de una misma perspectiva deformada, una de las características que convierten en única a la obra. Una de las razones es que la habitación no era recta, sino de forma trapezoidal. La puerta derecha llevaba al piso superior, mientras que la de la izquierda comunicaba con el cuarto de invitados, donde iba a alojarse Gauguin.


Pero también hay otras razones: el artista jugó con la perspectiva para dar una visión mucho más personal; de hecho la línea de horizonte está más alta de lo normal, vemos las sillas y la mesita de noche desde arriba, mientras que las patas de la cama están vistas desde abajo, de manera que los muebles.



(segunda versión), 1889, Art Institute de Chicago

Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó.

tercera versión), 1889, Museo de Orsay, París.

Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consiguió el dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En sus obras consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura francesa.

Theo van Gogh a la edad de 21 años. Theo
fue un defensor permanente y amigo de su hermano mayor.

Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon y, finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres. Las tres obras curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888.

Si es de interés, para ver la recreación del cuadro de Van Gogh mediante un proyecto 3D, pinchad aquí.












lunes, 24 de julio de 2017

San Antonio de los Alemanes la pequeña capilla sixtina

La iglesia de San Antonio de los Alemanes, fundada como iglesia de San Antonio de los Portugueses, es una iglesia situada en el distrito Centro de Madrid _ España. ES una de joyas ocultas que hasta que no abres su envoltorio no sabes lo que puedes encontrar en su interior.


En el año 1607 Felipe III ordenó la creación de un hospital para enfermos portugueses. Su capilla, de planta elíptica, estaría consagrada a San Antonio de Padua. La construcción transcurrió entre los años 1624 a 1633, bajo las órdenes del arquitecto Pedro Sánchez.


Tras la independencia de Portugal de la Corona Española, el templo queda abandonado y en el año 1689, la Reina consorte Mariana de Austria, favoreciendo la creciente comunidad germana en Madrid, lo cede al culto de los alemanes católicos.


Pedro Sánchez (1569-1633), hermano jesuita, tracista y maestro de obras, fue el introductor en España de las novedades estructurales del incipiente Barroco romano, y el creador del modelo de arquitectura jesuítica más extendido en la España del siglo XVII, de nave única, capillas laterales con tribuna sobre ellas y cúpula sobre el crucero.




La actividad de los arquitectos jesuitas contribuyó a la evolución de la arquitectura española desde las formas renacentistas a las barrocas, debido a las numerosas fundaciones que la orden llevó a cabo en la Península desde las últimas décadas del XVI. La Compañía de Jesús fue uno de los principales impulsores de la creación del nuevo estilo en Italia, donde Vignola definió en el Gesù de Roma (1568) el modelo deseado por los jesuitas que después, con diversas variantes locales, se convirtió en el prototipo de iglesia barroca.


El exterior, de carácter Barroco Español, está construido con materiales “pobres”, ladrillo y yeso, y presenta una fachada sobria de estilo post-herreriano y chapitel de remate en la cúpula.


Es el interior lo que convierte esta pequeña iglesia en un tesoro oculto de Madrid. Toda su superficie, incluyendo techos y muros, están cubiertos de frescos que narran la apoteosis de San Antonio.


El fresco del interior de la cúpula, obra de Juan Carreño de Miranda, representa al santo portugués ascendiendo al cielo rodeado de ángeles. La cúpula se apoya sobre los muros de la planta elíptica (uno de los pocos ejemplos de este tipo de planta en España), que se encuentran cubiertos de frescos con arquitectura fingida o trampantojo. Las columnas salomónicas los frontones acaracolados y una serie de santos portugueses. obra de Francisco Ricci.


Los muros curvos de la iglesia fueron decorados por Luca Giordano. Los seis altares, situados en arcos-hormacina de medio punto, fueron realizados por varios artistas como el propio Giordano, autor del situado a la derecha del principal, dedicado al Calvario.


El órgano, inaugurado en diciembre de 1923, es de estilo arquitectónico ecléctico e instrumentación romántica, con teclado manual de 56 notas, pedales de 30 notas y 14 registros. Construido por Eleizgaray y Compañía, de Azpeitia fue financiado, junto con otras importantes obras realizadas esos años en la iglesia, por doña Catalina Garrapucho, que instituyó como única y universal heredera a esta Hermandad.

La iglesia de San Antonio de los Alemanes, por sus excelentes condiciones acústicas, tuvo una importante actividad musical, manteniendo un maestro de Capilla hasta 1952; que fue Moisés Baylos Albéniz, sobrino del maestro Isaac Albéniz. Cuenta también con un considerable número de partituras en su archivo musical, muchas de ellas compuestas expresamente para esta iglesia, y que han sido recientemente clasificadas y digitalizadas.


                                                                                                                                         




jueves, 20 de julio de 2017

"Verano" obra de Giuseppe Arcimboldo

"Verano" obra de Giuseppe Arcimboldo, fue realizada en el año 1563 y con unas dimensionares de 503 x 670 cm. Se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena _ Austria.

 

Maravilloso y original es este genio del Renacimiento cuyas obras nos sorprenden por su extravagante manera de componer retratos mediante la agrupación de diversos elementos de la naturaleza más dispar.

Autorretrato del año 1570 en la Galería Nacional de Praga  

Nació en Milán en 1527, trabajó con su padre en las vidrieras de la catedral milanesa y se casó con una alemana, pasando a residir, a partir de 1562, en Praga, capital del reino de Bohemia. Entró al servicio del emperador Fernando I y de sus sucesores Maximiliano II y Rodolfo II. Los tres tuvieron en gran estima a Arcimboldo, alcanzando el cargo de pintor de la corte e incluso fue nombrado Conde Palatino.


Con Rodolfo II, personalidad desequilibrada y contradictoria, pero gran mecenas del arte y de los artistas, mantuvo una relación muy fructífera, llegando a retratarlo como la divinidad romana Vertumno. No obstante también tuvo detractores que consideraban sus obras de mal gusto y de temática inapropiada. Al ser un adelantado a su tiempo sufrió la incomprensión, el odio y la envidia de gran parte de sus contemporáneos.


Como buen creador del Renacimiento, Arcimboldo trabajó en infinidad de proyectos como la construcción de autómatas y máquinas hidráulicas o un órgano que fundía sonidos y luces, anticipando efectos que se usan hoy en las discotecas. A la muerte de Rodolfo II, regresó a su Milán natal, donde murió en 1593.


Resulta muy original la obra de Arcimboldo, especialmente sus "cabezas compuestas", rostros humanos elaborados a partir de frutas, verduras, tallos, hojas, flores o animales y que nos muestran un estilo caricaturesco e incluso, a veces, satírico.


La firma del autor junto con la fecha de realización se encuentran en el cuadro...¿las has visto?. En la versión del Louvre también lleva la firma del pintor. A Arcimboldo no le interesa una representación sistemática de la realidad natural de manera científica. El aspecto lúdico de las obras es indudable. Es ahí donde se muestra su auténtica voluntad creadora como pintor manierista, entendiendo este término como artificialidad, lo que el filósofo Tatarkiewicz dio en llamar sutilitas.


Las Estaciones es una serie de cuatro cuadros pintados por entre los años 1563 a 1573. Fueron ofrecidos a Maximiliano II Manuel de Baviera en 1569, acompañados de los Los cuatro elementos (pintados en 1566). Se acompañaron con un poema de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580), que explicaba el sentido alegórico.

La primavera del año 1563 en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid 

Cada cuadro está constituido por un retrato de perfil, compuesto de elementos que recuerdan la estación.

De la versión original, no subsisten más que el Invierno y El Verano, expuestos en el Museo de Historia del Arte de Viena, en Austria. Entre las versiones más conocidas figuran las del Museo del Louvre, copias hechas por el pintor a instancias de Maximiliano II, para hacer un regalo a Augusto de Sajonia. Los cuadros se caracterizan por un encuadramiento floral que no existía en la primera versión.

Las cuatro estaciones en una cabeza , 1590 en National Gallery of Art Washington 

Los Cuatro Elementos que acabo de mencionar es una serie de pinturas del artista. Los retratos representan el perfil de rostros formados por diversos objetos o animales. La Tierra está representada por animales terrestres; el Aire, por pájaros;, e Agua, por criaturas marinas;el Fuego, por cañones y maderas en llamas. Esta serie intenta expresar la armonía del caos, con animales salvajes que forman caras distintas. También ensalza a Maximiliano, sugiriendo que es un gobernante que controla incluso a los cuatro elementos primarios.

Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno, hacia 1590, Castillo Skokloster, _ Suecia.

El extraño y original arte de Arcimboldo, especialmente sus imágenes múltiples, fue redescubierto a principios del siglo XX por artistas surrealistas, entre ellos Salvador Dalí, como se aprecia en algunas de las obras de estos. 

No se sabe a ciencia cierta como tuvo lugar el súbito cambio en su pintura, aunque, sin duda, la idea tuvo que venirle de la confluencia de varios factores como:
La contemplación en la corte de Viena de obras de pintores como El Bosco, Brueghel, Cranach, Grien yAltdorfer que ya habían creado en décadas pasadas fantasías de monstruos y seres imposibles.